Нуреев раздвинул традиционные границы в балете, добавив в него элементы народных танцев, акробатики и драмы. Его постановки известны своей смелостью и экспериментами, а инновации в хореографии всегда изумляли публику.

Нуреев оказал огромное влияние на развитие мирового танцевального искусства. Его творчество вдохновило многих хореографов и танцоров, которые стали использовать методики и приемы гения. Он работал с самыми известными балетными труппами, включая Royal Ballet в Лондоне, American Ballet Theatre — в Нью-Йорке, Paris Opera Ballet, Vienna State Opera Ballet и La Scala Ballet — в Милане. При этом постановки маэстро получали только высшую оценку как со стороны зрителей, так и от профессиональных критиков.

В честь Рудольфа Нуреева названы улицы, площади и театры, его талантом восхищаются миллионы любителей балета по всему миру, а для артистов он является примером безграничного мастерства.

Краткая биография Рудольфа Нуреева

Первое знакомство будущего балетного гения с искусством танца произошло в Уфе, где он вместе с семьей посетил постановку «Журавлиная песнь» в только что открытом на тот момент местном театре. Грациозность балерин и их умения настолько сильно поразили мальчика, что уже в 1948 году он начинает активно постигать азы танца сначала в местном фольклорном ансамбле, а позже — в балетной студии при театре.

ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ
Своему имени «Рудольф» гениальный танцовщик обязан старшей сестре Розе. Согласно мусульманским обычаям, имя каждого последующего ребенка в семье должно начинаться с первой буквы имени первого наследника.

В 17 лет Рудольф поступил в Ленинградское хореографическое училище, став самым возрастным студентом в своем классе. Тут и проявился пробел в его профессиональных навыках, в результате чего юноше, невзирая на смех и едкие замечания своих одногруппников, приходилось работать день и ночь, осваивая азы мастерства и оттачивая свой талант. Результат не заставил себя ждать: на выпускном экзамене его способности были отмечены главными мастерами того времени, а сразу же после выпуска он заключил контракт с Кировским театром, где дебютировал с партией Фрондосо в балете «Лауренсия».

ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ
Сразу же после своего театрального дебюта о Нурееве заговорили как об одном из самых многообещающих танцоров своего времени, отмечая четкую динамику его движений и искусно выверенный рисунок танца.

За три года, которые Нуреев прослужил в Кировском театре, он отметился более чем в 14 спектаклях. При этом он одним из первых начал выходить к зрителям в обтягивающем трико, носить одежду, подчеркивающую красоту мужского тела, а также упрочил значимость партнера в балетных постановках.

Заграничный период

В 1956 году Нуреев с триумфом покорил французскую сцену, где его назвали «бриллиантом в короне». Его карьерный взлет был стремительным: сразу после блистательного выступления он дебютирует в Театре Елисейских полей в постановке «Спящая красавица», после чего перебирается в Королевский балет в Дании, а затем, в 1961 году, с триумфом покоряет лондонский Королевский балет, где впоследствии прослужит более 15 лет. Кроме того, в 1964 году артист вместе со своей партнершей Марго Фонтейн установили театральный рекорд: после их «Лебединого озера» овации были настолько продолжительными, что занавес поднимался вновь и вновь более 80 раз. Рекордным были и количество его выступлений, среднее число которых составляло 200 спектаклей в год, а в 1975-м и вовсе увеличилось до 300.

Помимо танцевальной карьеры, прославленный исполнитель попробовал свои силы и в кино. Так, его дебютная роль в фильме «Я — танцовщик» имела успех у зрителей, после чего последовала работа у известного режиссера К. Рассела, где, по признанию многих современников, Нуреев сыграл самого себя.

В 1983 году у гениального танцовщика обнаружили ВИЧ, который из-за отсутствия лечения начал активно прогрессировать. По одной из версий, страшным заболеванием, лечение которого на тот момент отсутствовало, он заразился во время переливания крови после аварии. Стоит сказать, что даже с неизлечимой инфекцией Нуреев прожил 12 лет, пробуя на себе новейшие разработки ученых и продолжая активную творческую деятельность сначала в качестве директора балетной труппы Парижской оперы, а после — как дирижер. Скончался Рудольф Нуреев 6 января 1993 года от осложнений, вызванных СПИДом.

ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ
Особого внимания заслуживает надгробие на могиле танцовщика, проект которого воплотил в жизнь художник Эцио Фриджерио. Оно выполнено в виде пестрого восточного ковра в мозаичной технике.

Значение творчества

Рудольф Нуреев стал самым известным танцовщиком XX века, оставив неизгладимый след в мировом искусстве. Каждая из исполняемых им партий была насквозь пронизана драматизмом и отчаянием, которые сплетались воедино с идеальной классической школой отечественного хореографического искусства. Впитав в себя основы главных мировых техник, Нуреев словно на тонкой грани балансировал между ними, оставаясь при этом верным русской классической школе. Именно он расширил роль мужчины-партнера в балете, сделав его полноправным участником постановки.

Не обладая идеальными параметрами для танцовщика, он смог покорить мир силой своей экспрессивности и неимоверным трудолюбием, что позволило ему стать не только главным балетным гением своей эпохи, но и самым богатым танцовщиком в мире.

Уникального танцовщика отличают особая одухотворенность, движения без надрыва и неподкупная эмоциональность наряду со внешней сдержанностью, потрясающая пластичность и совершенная классическая техника.

На счету прославленного артиста балета более сорока партий в различных постановках Большого театра, а также более двадцати впечатляющих ролей в других театрах мира. Профессионализм и талант Цискаридзе были отмечены многочисленными международными наградами, среди которых премия Международного конкурса артистов балета в Осаке, приз Международной ассоциации деятелей хореографии «Бенуа де ла Данс» и премия мира Объединенной культурной конвенции США.

Непревзойденное мастерство Николая Цискаридзе по достоинству оценено миллионами поклонников его таланта по всему миру, а его выступления — самыми желанными по всему миру. 

Начало карьеры

С раннего возраста Николай Цискаридзе уделял повышенное внимание искусству. Все благодаря стараниям матери, которая часто брала сына на любимые ею концерты. В развитие его литературного вкуса огромный вклад внесла нянюшка будущей звезды, которая начиная с шести лет читала мальчику произведения Шекспира и Толстого, а позже познакомила его с творением режиссера Франко Дзеффирелли «Ромео и Джульетта», который навсегда остался в памяти мальчика. Чувствуя в себе артистические способности, с самого детства он читал стихи собиравшимся в их квартире гостям, писал картины, исполнял музыкальные произведения и представлял артистические импровизации, срывая громкие овации от друзей семьи. 

Приобщение к танцевальному миру началось с училища в Тбилиси. Уже здесь талант мальчика был настолько впечатляющим, что его наставники в один голос настоятельно советовали отправиться в Москву и совершенствовать свои навыки здесь. Что он и сделал в 1997-м.

Сразу же после блистательного окончания московского учебного заведения в 1992 году был зачислен в труппу Большого театра. Он начал с самых низов и прошел путь от артиста кордабалета. Сольники случились практически сразу. В 1992-м главный балетмейстер Большого театра Юрий Григорович доверил начинающему таланту роль в «Золотом веке», а чуть позже утвердил его в качестве Меркуцио в «Ромео и Джульетте» и Французской куклы в «Щелкунчике». 

ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ
В 1992 году тогда еще воспитаннику училища была назначена стипендия премии «Новые имена». Это международная программа, которая отмечает выдающиеся заслуги юных дарований. 

Большой театр

Настоящий прорыв в творчестве произошел через пару лет в 1995-м. Тогда буквально за пару месяцев ему доверили главные партии в «Щелкунчике», «Чиполлино», «Шопениане» и «Сильфиде». В том же году его талант был отмечен и в японской Осаке. На VII Международном конкурсе артистов балета он взял серебро. 1997 год был отмечен сразу несколькими запоминающимися фактами биографии. Во-первых, танцовщику начали доверять главные мужские партии из репертуара Большого. Во-вторых, получение премии и золотой медали на VIII Московском Международном конкурсе артистов балета упрочили звание танцовщика как главной многообещающей звезды отечественного балета. Пресса буквально занимала очередь, чтобы взять интервью у юного дарования, а от поклонников уже не было отбоя. 

ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ
Николай Цискаридзе — самый молодой лауреат Международного конкурса артистов в категории «дуэты» за всю его историю. Сразу же после конкурса о танцовщике стали активно писать в прессе, отмечая его уникальный талант. А поклонники хотели всеми способами попасть на выступления настоящей легенды. 

Международное признание

Николай Цискаридзе и правда обладает впечатляющими данными от природы, что и помогло достичь феноменальных высот. Недюжинный рост в 1,83 м, отличная спортивная фигура, запоминающаяся внешность и природная пластичность вкупе с академической танцевальной выправкой сделали свое дело. Его техника просто безупречна, владение телом — идеально, а движения отточены до каждой мелочи, что и позволяет говорить о гении его таланта.

Природная одаренность Цискаридзе не могла быть не отмечена профессионалами балетного сообщества. В копилке Николая — отечественные и мировые дипломы. Ему три раза присуждалась «Золотая маска» за «Лучшую мужскую роль», был награжден премией мэрии Москвы и получил две Государственные премии РФ.

Среди международных наград стоит упомянуть приз Международной ассоциации деятелей хореографии «Бенуа де ла Данс», премию издания «Данза» и Международную награду мира Объединенной культурной конвенции США (2006). Николай также является кавалером Ордена искусств и литературы во Франции и имеет грузинский орден Чести.

Николай Цискаридзе сегодня

По завершению блистательной танцевальной карьеры, Николай Цискаридзе был назначен временным ректором Академии Русского балета, официально заняв пост в ноябре 2014-го. Ранее этот пост занимали только те, кто когда-то учился в стенах училища и знает тонкости данной школы. 

Нередко можно его увидеть и на российском телевидении. Несколько сезонов подряд он — бессменный арбитр главного танцевального проекта страны «Танцы со звездами», а также постоянный ведущий передачи «Шедевры мирового музыкального театра», где знакомит телезрителей с историей и важными вехами мирового танца. В середине прошлого года был назначен новым ведущим шоу «Сегодня вечером».

Популярные вопросы

Вопрос: Когда Николай Цискаридзе был принят в труппу Большого театра?

Ответ: В 1992 году.

Вопрос: Сколько раз Николай Цискаридзе был награжден премией “Золотая маска”?

Ответ: 3 раза.

Впервые балет был показан в стенах Мариинского театра в Санкт-Петербурге. В основу легла сказка Гофмана «Щелкунчик и Мышиный король», но в пересказе французского писателя Александра Дюма-старшего. Постановка имела оглушительный успех. С того момента «Щелкунчик» является обязательным атрибутом Нового года по всему свету. Перед праздником даже возникла традиция дарить билеты на постановку. Балет «Щелкунчик» является примером для многих выдающихся деятелей культуры, танцовщиков, музыкантов и композиторов. В свое время «Щелкунчик» Чайковского вдохновил американского балетмейстера Джорджа Баланчина на собственную постановку. А первая леди США Жаклин Кеннеди решила украсить рождественский Белый дом в стиле «Щелкунчика».

Балет Чайковского признан по всему миру шедевром, он является эталоном, примером для подражания и поводом для вдохновения людей искусства во всех уголках света.

«Щелкунчик»

Балет «Щелкунчик» является одной из ведущих постановок на мировой сцене. Увидев его раз, невозможно остаться равнодушным. Великая музыка Чайковского в сочетании с мастерством балетных артистов дает невообразимый эффект, постановка врезается в память и долго не отпускает.

Идея создать нечто удивительное зародилась более 130 лет назад. В 1890 году Чайковский получил государственный заказ, по которому должен был создать балет в двух актах. Обладая уникальным и узнаваемым стилем работы, Чайковский взял за основу не классическое произведение Гофмана, а его пересказ под авторством Дюма-старшего. Была несколько изменена система персонажей. Например, главная героиня Мари стала просто Машей, при этом даже есть версии, где ее и вовсе называют Кларой. На такую резкую смену имен героев влияли внешние события, происходившие в общественной жизни того времени.

«Щелкунчик» известен своими различными вариациями. Созданный в России классический образ вдохновлял многих хореографов по всему свету на свои постановки. Поэтому иногда можно встретить какие-либо иные идеи в различных мировых постановках.

Чайковский известен своей приверженностью романтическому жанру. Исследователи отмечают, что великий композитор не гнался за новаторскими идеями, однако в его произведениях можно услышать необычные и нехарактерные для его времени звуки.

Премьера «Щелкунчика» состоялась на сцене Мариинского театра в Санкт-Петербурге. Специально для этого вечера Чайковский использовал необычный музыкальный инструмент, вывезенный им из Франции, — челесту. Его звучание было похоже на звон капель воды. Это ошеломило зрителей, которые не могли понять, что издает столь необычный звук. Постановка прошла с успехом.

ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ
В самой первой постановке «Щелкунчика» в 1892 году участвовал известный танцовщик Феликс Кшесинский, отец Матильды Кшесинской. Он исполнял роль отца главной героини — Зильбергауса. На момент роли ему было 69 лет, он являлся самым возрастным участником.

Имея грандиозное начало, «Щелкунчик» обеспечил себе успех на многие годы вперед.
Балет Чайковского неоднократно ставили на лучших отечественных сценах, его перенимали и зарубежные деятели. Он становился предметом восхищения: почти в каждом ведущем мировом театре хотели сделать своего «Щелкунчика».

Мировое значение балета «Щелкунчик»

«Щелкунчик» по-настоящему пленил мировую общественность, стал символом искусства высшей пробы и формации. Им восхищаются артисты, хореографы, танцовщики, музыканты всего мира. А публика с нетерпением ждет очередной возможности прикоснуться к постановке, услышать неповторимую музыку и увидеть лучшие балетные партии.

«Щелкунчик» всегда вдохновлял отечественных и западных специалистов. Среди них выделяется американский хореограф и танцовщик Джордж Баланчин. Услышав произведение Чайковского, он задумал поставить его с труппой New York City Ballet. В 1954 году публика увидела «Щелкунчика» и пришла в полный восторг.

Немногим позже, в 1961 году Жаклин Кеннеди объявила «Щелкунчика» темой Рождества в Белом доме. Вот уже многие годы он является символом праздника, а поход в театр на балетную постановку для многих семейная традиция.

Сегодня трудно представить какой-то мировой театр без балета Чайковского «Щелкунчик». Постановки есть в репертуаре Ковент-Гардена, Королевской оперы, Национального балета Канады. Произведение можно увидеть во многих городах мира: от Нью-Йорка и Сан-Франциско до различных городов Шотландии. Примечательно, что, несмотря на различные вариации сюжета, в балете никогда не переделывали музыку Петра Ильича Чайковского. Ведь она является неотъемлемым символом и показателем мастерства высшей пробы.

Ее имя связано с Большим театром, в котором Галина Сергеевна работала ведущей солисткой. С этой труппой она гастролировала в Великобритании. В Ковент-гардене состоялся ошеломительный успех наших танцовщиков, а Галина Уланова буквально влюбила в себя зарубежную публику.

За время своей карьеры великая балерина работала с солистами ведущих мировых театров от Франции до Австралии. Ее с радостью приглашали на гастроли в страны Европы и Азии. Галина Сергеевна была членом Американской академии искусств и наук. Ее талантом восхищались российские и зарубежные хореографы, Галину Уланову обожали зрители самых известных театров мира.

В качестве признания ее творчества в Париже даже создали балет, посвященный Улановой. Великая русская танцовщица и по сей день является эталоном балетного искусства, а ее творческий путь вдохновляет людей в самых разных уголках планеты.

Биография Галины Улановой

Галина Сергеевна Уланова происходит из семьи артистов балета. Ее отец входил в труппу Мариинского театра, а мама работала балетным педагогом.

Исследователи отмечают, что ее стиль начал формироваться еще в детстве. Тогда же она с родителями часто бывала на даче близ Щирского озера. Ребенком Уланова много времени проводила на природе, где ее ничего не отвлекало.

ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ
Несмотря на то что на больших сценах Галине Улановой чаще всего были присущи хрупкие и утонченные образы, в жизни она едва ли могла примерить их на себя. С раннего возраста ее отличал бойкий и яркий характер. Поступив в хореографическое училище, она увлекалась мужскими партиями и знала приемы поддержки.

Заниматься балетным искусством будущая прима начала в девять лет. Ее первым педагогом была мама, но впоследствии Галина Сергеевна перешла в класс к Агриппине Вагановой. После выпуска работала в Мариинском театре.

Еще в начале ее карьеры критики отмечали, как она искусно сочетает классический танец с драматической игрой и пластикой. Видя балерину на сцене, публика воспринимала выступления Улановой как что-то утонченное, хотя добиваться такого мастерства Галине Сергеевне приходилось через изнурительные тренировки. Ее отличительными чертами были спонтанность жестов, непосредственность и легкость движений.

Галина Сергеевна начала исполнительский путь с роли Флорины в «Спящей красавице» Чайковского. В начале карьеры Уланова бралась за все роли, которые ей предлагали, считая, что любая работа приносит свои результаты. Она очень многое пробовала и экспериментировала, в ней было неуемное желание к совершенствованию и стремление из каждой роли вынести что-то полезное. Быть может, поэтому Галина Сергеевна часто бралась за разноплановые роли и сочетала классические постановки с новаторскими.

Галина Уланова в мире

Расцвет карьеры Галины Улановой пришелся на середину XX века — время, когда она была прима-балериной Большого театра в Москве. С ним у Галины Сергеевны связан выдающийся сезон 1956 года. Тогда артистов труппы пригласили в Великобританию, где они должны были играть спектакли в Ковент-гардене. По воспоминаниям того времени, публика выстраивалась в очередь, чтобы попасть на показы. Увидев Уланову на сцене, зал был поражен ее техникой, пластикой движения, умением парить на сцене и придавать каждому шагу невероятную легкость. С этого момента можно считать, что к Улановой пришла мировая известность.

Она начала сотрудничать с ведущими мировыми театрами. Ее техникой восхищались от Америки до Японии. В знак признания ее мастерства Американская академия искусств и наук предложила ей стать членом академии, на что Галина Сергеевна согласилась.

Галина Уланова выступала на сцене продолжительное время, она закончила карьеру артистки в 50 лет. После этого начала преподавать. Ей удалось вырастить поколение блестящих артистов балета и передать свой опыт, знания, наработки, к которым она стремилась годами. Кроме того, она сотрудничала с зарубежными артистами. У нее брали классы танцовщики из многих стран мира — от Франции до Австралии.

Галина Уланова вошла в историю танца как артист, способный сочетать в своих работах все элементы хореографии и доступные выразительные средства. При этом многое она делала настолько технично, что возникало ощущение, будто бы это получалось случайно, само собой.

Ее мастерство и талант ценят во всем мире. Особое внимание и уважение русской балерине уделяют в Париже, там даже создают спектакли о ней. Ее именем называют улицы по всему миру. Галина Уланова — пример для подражания и повод для гордости.

Именно «Лебединое озеро» прославило на весь мир Большой театр. Шедевр Чайковского по сей день ставят на лучших зарубежных сценах: в США, Швеции, Норвегии, Австралии. Для режиссеров «Лебединое озеро» стало не только безоговорочной классикой, но и полем для огромного количества творческих экспериментов и новых прочтений. В Великобритании, например, по мотивам «Лебединого озера» был поставлен балет, рассказывающий об интригах в королевской семье. А Голливуд снимает настоящие бестселлеры про танцовщиц, которые соперничают друг с другом за главные роли в русском балете.

Балет «Лебединое озеро» предопределил развитие классического танца во всем мире и стал одной из визитных карточек русской культуры.

Краткая история создания

Сегодня балет представляется нам как элитарный вид искусства, который дано прочувствовать и понять далеко не всем. Однако так было не всегда. В XIX веке, например, балет считался относительно низкосортной забавой или, переводя на современный язык, попсой. Однако великий русский композитор Петр Ильич Чайковский был другого мнения. Он часто ходил на балет и даже разбирался в хореографии. Но после своих симфоний он бы вряд ли замыслил написание музыки к балету, если бы не трудное финансовое положение. Большому театру нужны были новые премьеры, и его руководство предложило Чайковскому написать балет за 800 рублей — по тем временам немалая сумма для преподавателя консерватории.

Серьезное влияние на Чайковского оказало его путешествие в Германию и любовь к музыке Рихарда Вагнера. Особенно он вдохновлялся оперой «Кольцо Нибелунгов». И ведь действительно, влияние Вагнера очевидно — главного героя в обоих произведениях зовут Зигфрид.

ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ
В сюжете и задумке «Лебединого озера» усматриваются параллели с одной исторической личностью — баварским королем Людвигом II. Он любил музыку, покровительствовал Рихарду Вагнеру, вдохновлялся рыцарскими легендами и возводил сказочные замки. Людвига часто называли «Лебединым королем», а один из своих красивейших замков он так и называл — Лебединым. Свою смерть король нашел в озере при неизвестных обстоятельствах. Тот факт, что Чайковский посещал Баварию и бывал в замках Людвига II, свидетельствует, что нашего композитора вдохновила история жизни таинственного короля.

Критика и слава

Чайковский принялся писать «Лебединое озеро» в 1875 году, и изначально произведение называлось «Озеро лебедей». Уже через два года спектакль был поставлен на сцене Большого театра. Однако успешным этот дебют нельзя было назвать. Критики и зрители разгромили балет, называли его безвкусным и скучным. Во многом сказалась некомплектность постановщиков и не самые одаренные балетмейстеры, которые со своими задачами откровенно не справлялись. И если те же критики были в восторге от музыкальной составляющей, то танцевальная почти никому не нравилась. Этот факт настолько опечалил Петра Ильича, что он отказался от написания балетов вообще. А о «Лебедином озере» забыли после 39 показов.

К сожалению, слава к «Лебединому озеру» пришла после смерти Чайковского. Точнее, она и дала балету вторую жизнь. Дело в том, что, когда композитор умер в 1893 году, в Санкт-Петербурге на сцене Мариинского театра решили почтить его память и вновь поставить балет. Постановкой занялись выдающиеся балетмейстеры Лев Иванов и Мариус Петип, которые внесли несколько корректив в либретто и хореографию, и уже через год «Лебединое озеро» стало самым популярным балетом.

Либретто

Произведение рассказывает о принце Зигфриде, который вел беззаботный образ жизни. Когда он стал совершеннолетним, мать указала ему на необходимость найти постоянную спутницу. Однако ее слова он воспринимает в штыки и продолжает «гулять».

Затем вместе со своим другом они отправляются на охоту на лебедей, и судьба приводит их к лесному озеру. Именно там они наблюдают чудесную картину: лебедь превращается в красивую девушку, которую зовут Одетта. Молодой принц влюбляется с первого взгляда, однако история Одетты оказывается печальной — ее заколдовали, и поэтому она превращается в лебедя. Несмотря на это, принц дает клятву верности.

Позже в доме Зигфрида уважаемые мужчины приводят на сватовство к принцу своих дочерей. Он ни на кого не обращает внимания. Однако принц увидел девушку, которая была копией Одетты. Зигфрид сразу же предложил ей руку. Но это оказывается не Одетта, а Одиллия, которая лишь казалась его возлюбленной из-за колдовства. Зигфрид понимает, что его обманули, и устремляется к озеру, где его ждет обманутая Одетта.
В разных версиях сюжет и концовка различаются. В каких-то герои умирают, в каких-то им удается преодолеть трудности и остаться вместе. Где-то за главными несчастьями Одетты стоит ее мачеха, а где-то коварный колдун — отец Одиллии.

Значение «Лебединого озера»

Достаточно сказать, что «Лебединое озеро» — самый известный и популярный балет в мире. Это первый в истории драматический и психологический балет. И его чаще всего ставят на сценах мировых театров. Балет собирает аншлаги как в классических, так и в экспериментальных вариациях.
Например, в 2014 году в Норвегии на сцене воссоздали чуть ли не настоящее озеро на сцене, залив в искусственный водоем шесть тысяч литров воды. Финалом такой версии балета стала драка Одетты и Одиллии. А в Британии, например, однажды перипетии в королевской семье переложили на сюжет «Лебединого озера».

Что говорить, даже Голливуд зачастую обращается к шедевру Чайковского. Один из самых известных фильмов с Натали Портман «Черный лебедь» посвящен интригам вокруг постановки балета.

С приходом Чайковского и его новаторского подхода к написанию музыки специально для балетной постановки у балета как формы искусства начинается новая эра. Никто в мире еще не сплетал так органично искусство музыки и искусство пластики тела. Балеты с музыкой Петра Ильича Чайковского «Щелкунчик», «Лебединое озеро» и «Спящая красавица» до сих пор ставятся на подмостках всего мира и имеют запредельный успех зрителей самых разных стран, культур, воззрений.

«Русские сезоны» в Париже, организованные Сергеем Павловичем Дягилевым, имели оглушительный успех. О гастрольных выступлениях артистов Императорских театров Петербурга и Москвы писали все газеты мира.

У людей всего мира, принадлежащих к самым разным культурам, Россия ассоциируется с таким грациозным и подлинно аристократическим явлением, как балет.

Из истории русского балета

История русского балета начинается в 1673 году с постановки «Балет об Орфее и Эвридике». Однако в то время новая забава не впечатлила российскую публику. Но все изменилось с воцарением Петра I. Великий монарх заботился о том, чтобы у России были не только лучшие армия и флот. Петр нанимал по всей Европе выдающихся музыкантов, певцов и танцовщиков своего времени, чтобы они обучали русских артистов своему ремеслу. С этого момента можно говорить о начале славной истории русского балета.

В 1738 году в России была открыта первая балетная школа. В ней преподавали иностранцы. В те далекие времена русский балет еще не приобрел того своеобразия, что станет в дальнейшем его визитной карточкой. Все только начиналось.

К XIX веку в Западной Европе начинается кризис балетного искусства. Хореографы испытывали кризис идей, исполнители уже забыли, как можно отдаваться танцу всей душой, и в целом на европейской балетной сцене была лишь стагнация.

ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ
Местом возникновения балета считается Италия XVI века. Слово «балет» происходит от итальянского ballare, что значит «танцевать».

Но вот в России все было с точностью наоборот. Балет обретал все большее совершенство, красоту и своеобразие. Балерины и танцовщики вкладывали в каждое выступление всю душу. Люди самых разных сословий живо интересовались балетной сценой. Кроме того, благодаря усилиям состоятельных меценатов огромные деньги выделялись на обучение танцовщиков, оформление театров и прочие расходы, связанные с балетным искусством.

Середина XIX века связана с господством в литературе направления «реализм». Оно затронуло и балет. В это же время русские балерины достигают буквально совершенства, но им из-за популярности реализма, в том числе и в балете, приходилось играть довольно блеклые, «реалистичные постановки».

Но пришел Чайковский и вернул на сцену красоту! Его музыка, специально написанная для балета, стала не менее важна в постановках, чем, собственно, сам танец. Никто в мире до этого еще не сплетал так органично искусство музыки и искусство пластики тела. Балеты с музыкой Петра Ильича Чайковского «Щелкунчик», «Лебединое озеро» и «Спящая красавица» до сих пор ставятся на подмостках всего мира и имеют запредельный успех зрителей самых разных стран, культур, воззрений.

С началом XX века выдающиеся балетмейстеры М. Фокин и А. Горский серьезно поработали над модернизацией балетного искусства. А. Горский, например, решил отказаться от пантомимы, но при этом уделять больше внимания сценическому оформлению. М. Фокин работал над тем, чтобы буквально каждая постановка имела собственную хореографию, музыку, настрой. Его постановки «Египетские ночи», «Ацис и Галатея», «Умирающий лебедь» и т. д. стали известны на весь мир.

«Русские сезоны» в Париже, организованные Сергеем Павловичем Дягилевым, имели оглушительный успех. О гастрольных выступлениях артистов Императорских театров Петербурга и Москвы писали все газеты мира. Революция и Гражданская война вынудила покинуть родину многих выдающихся артистов балета. Но русская школа балета продолжила жить уже в Советском Союзе. Через весь XX век русский балет прошел триумфально, будучи первым во всем.

Суть русского балета

Русский балет — это один из самых узнаваемых и почитаемых во всем мире брендов русской культуры. В любой стране мира, если спросить случайного человека на улице его первые ассоциации, связанные с Россией, балет, скорее всего, будет назван в первую очередь. И это одно из величайших достоинств и успехов русской культуры, что у людей всего мира, принадлежащих к самым разным культурам, Россия ассоциируется с таким грациозным и подлинно аристократическим явлением, как балет.

Важной особенностью русского балета во все времена его существования, помимо тонко отточенных навыков, развития собственной русской балетной системы, которая вобрала в себя наработки народных танцев, стала музыка, также оказывающая мощное воздействие на зрителя. Особенно ярко это заметно в постановках Мариинского балета, где звук сливается с движением, дабы породить красоту!

ИНТЕРЕСНЫЙ ФАКТ
Александр Пушкин был страстным поклонником балета. Особенно он восхищался талантом балерины Авдотьи Истоминой. По мотивам произведений великого русского поэта были поставлены такие балеты, как, например, «Онегин», «Медный всадник», «Кавказский пленник», «Граф Никулин», «Бахчисарайский фонтан», «Барышня-крестьянка», «Черная шаль» и другие.